Julian Opie: Distiller la vie moderne en mouvement et en lignes

Peu d’artistes sont aussi instantanément reconnaissables que Julian Opie. Son langage visuel minimaliste et pourtant inimitable distille l’essence du monde contemporain. Avec une approche réductionniste, Opie réduit ses sujets à des lignes noires essentielles, délaissant la précision réaliste pour capturer l’identité profonde de ses personnages, souvent ponctuée de couleurs vives et plates. Puisant à la fois dans la nature et la culture, Opie retranscrit ces expériences à travers un vocabulaire visuel qui capte immédiatement l’attention.

Je joue avec ce que je vois dans la nature et la culture, dans mon propre travail comme dans celui d’autres artistes. Je collecte, je mélange, j’explore des possibilités dans mon esprit. Je peux concevoir des œuvres et même des expositions entières dans ma tête. C’est un don.

Julian Opie

Né à Londres en 1958 et ayant grandi à Oxford, Opie a fréquenté la Dragon School avant d’intégrer le Magdalen College School. De 1972 à 1977, son parcours artistique se poursuit au Goldsmiths, University of London, où il étudie sous la direction de l’artiste conceptuel Michael Craig-Martin, obtenant son diplôme en 1982.

La première exposition personnelle d’Opie a lieu en 1983 à la Lisson Gallery de Londres—un moment clé qui lance sa carrière. Étroitement associé au mouvement de la Nouvelle Sculpture Britannique, Opie se distingue comme l’un des plus jeunes artistes de ce groupe, qui revisite les matériaux et techniques traditionnels en réponse à l’art minimal et conceptuel.

Le travail d’Opie se caractérise par son usage des nouvelles technologies, sa fascination pour le corps humain, et son dialogue avec l’histoire de l’art. Ces éléments lui permettent de défier les idées conventionnelles de la représentation tout en offrant une critique aiguisée de la vie contemporaine. Alors que la technologie évoluait dans les années 1980, Opie a commencé à intégrer le mouvement dans son art, passant des moniteurs d’ordinateur aux panneaux lumineux publics et aux installations sur écrans plats. La manipulation numérique des photographies et des vidéos en formes graphiques stylisées est devenue la marque de fabrique de son œuvre.

Ses représentations les plus emblématiques sont sans doute celles de figures en marche—des formes humaines saisies en plein mouvement, où le geste devient symbole abstrait de l’expérience humaine. Ses figures—qu’elles marchent, clignent des yeux, ou dansent—sont souvent animées en boucle, soulignant la répétition inhérente à la vie moderne. Ce motif se décline dans divers supports, des sculptures en acier tubulaire aux écrans numériques et aux peintures, élevant l’acte de marcher à une réflexion méditative.

Contempler ces figures, notamment dans ses œuvres numériques, incite à la réflexion. La répétition rythmique du mouvement déclenche une réponse presque méditative, poussant le spectateur à se questionner sur sa propre trajectoire : « Où vais-je ? »

L’art d’Opie a été exposé dans le monde entier, avec des expositions personnelles notables à la National Portrait Gallery de Londres et au MoMA à New York. En 2000, il a créé la pochette de l’album du groupe Blur, offrant une réinterprétation épurée du groupe qui est devenue iconique. Une autre réalisation marquante est sa série « Walking in Melbourne »—des sculptures grandeur nature qui encapsulent le mouvement à travers des formes linéaires épurées.

Certains critiques pourraient reprocher à l’œuvre d’Opie de manquer de profondeur émotionnelle ou de se concentrer trop sur la forme. Cependant, l’accessibilité de son travail, sa capacité à résonner universellement, reste une de ses plus grandes forces. Que ce soit dans une galerie ou dans un espace public, ses figures interagissent directement avec le monde qui les entoure. Installées en plein air, elles deviennent partie intégrante du paysage urbain, interagissant subtilement avec les passants et brouillant les frontières entre art et vie quotidienne.

Cet été, les sculptures d’Opie ont pris place à Milan, avec huit nouvelles œuvres publiques exposées au Portrait Milano. Situées dans la vaste cour de la Piazza del Quadrilatero, au cœur du quartier de la mode milanais, les figures épurées d’Opie se fondent harmonieusement dans l’agitation environnante. La piazza, autrefois un séminaire caché, offre désormais une scène idéale pour que ces figures en marche dialoguent avec l’architecture de la ville et ses habitants, transformant un acte banal en une poésie visuelle.

L’œuvre d’Opie parle à notre époque numérique, distillant des moments ordinaires en symboles saisissants qui reflètent notre relation avec la technologie et la communication. Alors que nous naviguons dans ce paysage en perpétuelle évolution, son art semble plus pertinent que jamais. Nous avons récemment échangé avec l’artiste avant son exposition à Milan pour en savoir plus sur son processus, ses inspirations et ses réflexions sur le monde actuel.

Salut Julian, pourrais-tu partager quelques moments marquants de tes débuts dans les arts et ce qui t’a motivé à poursuivre une carrière d’artiste ?

Julian Opie : Enfant, il y avait des peintures accrochées aux murs de la maison familiale, principalement des reproductions d’œuvres anglaises d’après-guerre. Je me souviens les avoir longuement contemplées, m’imaginant dans les espaces qu’elles représentaient. J’ai grandi à Oxford et, pendant mes années de lycée, je déambulais dans les musées d’art locaux, aussi bien historiques que contemporains, les écouteurs sur les oreilles. Oxford possède également un musée anthropologique qui me fascinait, rempli d’objets et de statues venant des quatre coins du monde. À l’époque, je ne pensais pas vraiment à créer de l’art; je dessinais simplement tout le temps. C’était une habitude, une façon de penser et de m’amuser.

Vos portraits minimalistes et vos figures animées en marche, qui allient harmonieusement les nouvelles technologies aux thèmes de l’histoire de l’art et utilisent le corps humain comme muse, ont reçu une reconnaissance internationale et offrent une réflexion sur la vie urbaine contemporaine. Pourrions-nous explorer davantage votre pratique, votre processus créatif, vos sources d’inspiration et les thèmes qui traversent votre travail ?

Julian Opie : Je joue avec ce que je vois dans la nature et la culture, dans mon propre travail comme dans celui des autres artistes. Je collecte, je mélange, en essayant mentalement différentes possibilités. Je peux concevoir des œuvres, voire des expositions entières, dans ma tête. C’est un don. Je me lance alors avec enthousiasme dans plusieurs projets, rassemblant technologies et ressources. Puis, généralement, je suis saisi par la peur, parfois même par la panique, mais de cette lutte pour sauver le projet—des compromis et des inventions de dernière minute—émerge souvent une nouvelle solution. Rarement exactement ce que j’avais en tête, mais un petit pas en avant qui m’ouvre à de nouvelles perspectives.

Votre utilisation des détails minimaux et du dessin au trait noir est également très distinctive. Pourriez-vous décrire votre processus de décision quant à la quantité de détails à inclure ou à exclure dans une œuvre ?

Julian Opie : Il y a un aspect mécanique dans tout dessin, un processus d’aplanissement de ce que l’on voit et de développement d’un langage qui permet de traduire l’infinie complexité de la lumière réfléchie en un ensemble de signes adaptables. En plaçant une photographie d’un ami sur une signalisation de toilettes achetée en magasin, j’ai pu ajuster le symbole universel de l’homme ou de la femme en un symbole représentant une personne en particulier.

J’ai réutilisé ce processus en “zoomant” sur un visage. Mon objectif était de créer une sorte de tampon en caoutchouc pour chaque visage, un logo universel pour chaque individu que je voyais. J’ai peut-être dessiné des centaines de visages, mais je continue à observer les gens dans le métro, avec l’envie de dessiner chaque visage en utilisant les systèmes que j’ai développés.

Les figures animées en marche sont devenues une signature de votre style. Qu’est-ce qui vous a poussé à explorer cette forme, et comment abordez-vous la capture du mouvement avec une telle simplicité?

Julian Opie : Il est vrai que j’ai réalisé de nombreuses œuvres représentant des personnes en train de marcher. Je me dis souvent que je devrais arrêter, puis une nouvelle idée me vient. Dans les années 1990, j’ai trouvé une manière de dessiner des gens, mais c’étaient des personnes immobiles, comme des statues. Je dessinais tout le monde que je connaissais ainsi, comme des photos posées. Un jour, alors que j’attendais dans ma voiture, dans un état de semi-transe, que l’un de mes enfants sorte de l’école, j’ai vu les passants défiler devant moi comme une sorte de tableau, une frise classique de corps dynamiques qui s’écoulaient sans fin, tels un fleuve. J’ai alors imaginé dessiner ces individus et les combiner en une foule.

Il y a une infinité de personnes qui passent devant moi à dessiner, et j’ai utilisé des piétons de nombreux pays, notamment le Japon, la Corée, l’Australie, l’Amérique, l’Inde et la Belgique. Ma façon de dessiner les gens reste assez sommaire, avec un vocabulaire limité de lignes et de formes, presque comme des hiéroglyphes, mais je pense qu’ils conservent leur individualité, chacun restant particulier et connecté à la réalité, à la manière dont une ombre est liée à un objet.

En décrivant votre approche, vous avez mentionné que viser le réalisme constitue un critère fondamental, accompagné de considérations telles que la possibilité de vouloir exposer l’œuvre dans votre propre pièce ou l’imaginer digne d’être présentée à Dieu pour jugement. Pourriez-vous expliquer comment ces repères influencent votre processus créatif et vos prises de décision ?

Julian Opie : Une ombre est fondamentalement similaire à une photographie ; si vous voyez l’ombre d’un tigre ou d’un voleur avançant dans la nuit, votre corps réagit instinctivement à cette image, qui est elle-même une extension de la réalité. Un dessin peut avoir cette même qualité. Je collectionne des statues en bois indonésiennes de taille enfant, et du coin de l’œil, elles me font réagir comme si une personne réelle était présente. Nous sommes programmés pour réagir au monde visuellement perçu.

SI J’ÉCRIS EN MAJUSCULES, cela donne une sensation différente des mots écrits en italique. Il est difficile de prédire exactement comment ces éléments fonctionnent. J’ai des outils à ma disposition tels que les matériaux, l’échelle, la couleur, le mouvement et les références, qui me permettent de jouer et d’expérimenter autour du sujet pour voir ce qui est possible, ce qui semble juste et stimulant.

Warhol a écrit un jour à propos de la création artistique : « Si vous devez prendre une décision, c’est qu’il y a quelque chose qui ne va pas. » Je pense qu’il voulait dire que chaque étape doit découler logiquement et inévitablement de la prémisse précédente. Je déteste les décisions arbitraires et je cherche toujours cette logique cachée. Je travaille presque tous les jours, et j’utilise un système d’essais et d’erreurs. Aujourd’hui, j’utilise des lunettes de réalité virtuelle pour observer mes œuvres dans l’espace réel et pour concevoir la disposition des expositions.

La conception d’une pochette d’album pour le groupe Britpop Blur a été une commande importante, initialement pour la couverture d’un CD et plus tard comme une série de portraits exposée à la National Portrait Gallery. Quelle a été votre approche pour ce projet et comment avez-vous veillé à ce qu’il capture l’essence du groupe ?

Julian Opie : Réaliser des projets comme celui-ci est une sortie excitante du cadre habituel des musées et galeries, dans lesquels j’ai la chance d’exposer. Je réalise assez souvent des projets publics, et j’apprécie la manière dont cela me permet d’élargir mon vocabulaire et d’interagir avec d’autres types d’espaces, qui ne sont pas toujours associés au monde de l’art.

En regardant vers l’avenir, compte tenu de votre longue carrière, comment envisagez-vous l’évolution de votre pratique ? Quelles nouvelles directions ou médiums vous enthousiasment pour l’avenir, et en quoi diffèrent-ils ou prolongent-ils votre travail passé ?

Julian Opie : Comme je l’ai dit, les œuvres de grande échelle m’intéressent beaucoup en ce moment, ainsi que l’utilisation de matériaux bruts pour dessiner, comme l’acier ou le béton, plutôt que de recouvrir le matériau structurel d’une couche de peinture. J’essaie de me libérer de mon propre style et de ma façon de lire les œuvres, mais au final, je reviens souvent aux mêmes conclusions. Peut-être qu’aujourd’hui j’ai plus d’expérience et, certainement, plus de ressources.

C’est une crainte, celle de ne pas pouvoir se détacher des territoires que l’on a déjà établis, mais c’est aussi une bonne chose, je pense, de tirer pleinement parti de ce que l’on possède. Je travaille de manière assez instinctive, en suivant mes intérêts. En ce moment, je travaille sur une série d’athlètes sprinteurs issus de l’équipe olympique britannique et sur un groupe d’une vingtaine d’enfants âgés de 4 à 8 ans.

Les sprinteurs évoluent dans un mouvement fluide et brillant, presque impossible à capturer, tandis que les enfants, en contraste, marchent de manière très idiosyncrasique, pleine de caractère. Une fois que je commence un projet de ce type, avec des modèles, des caméras et des sessions répétées, je laisse les choses se développer comme elles le veulent. En travaillant, certaines possibilités se dégagent, et je commence à expérimenter avec la peinture, la sculpture et le cinéma. J’ai même expérimenté des environnements en réalité virtuelle et des programmes de dessin automatique.

En rétrospective, après quatre décennies de carrière, vous avez accompli beaucoup de choses avec votre œuvre. Comment aimeriez-vous être perçu dans le monde de l’art ? Comment imaginez-vous que votre travail et votre impact influenceront les générations futures d’artistes ?

Julian Opie : J’ai tendance à ne pas me retourner sur le passé et je n’ai aucune prétention à influencer qui que ce soit. J’espère simplement avoir réussi à offrir un peu de divertissement, et peut-être un aperçu de ma réflexion et de ma vision du monde.

Enfin, pourriez-vous partager votre philosophie de l’art ? Comment décririez-vous et comprendriez-vous l’importance centrale de l’art dans votre vie et votre carrière ?

Julian Opie : C’est une question très vaste, et je ne peux pas y répondre directement. Je n’ai ni règle fixe ni plan établi. Je pourrais utiliser une citation de Shakespeare que j’aime particulièrement. Un personnage dit : « Je ne suis pas un homme honnête, mais il m’arrive parfois de l’être par hasard. » Je pourrais remplacer le mot « honnête » par « intelligent ». Je travaille dur la plupart des jours pour créer des situations où cet élément de hasard dépasse mes limites de réflexion et saisit une vérité fugace sur ce que cela signifie d’être vivant.

©2024 Julian Opie