Une conversation avec Laura Medcalf: Peindre avec la terre, l’eau et le temps

Exploration de l’alchimie élémentaire dans la pratique artistique enracinée dans la nature de Laura Medcalf

La pratique de Laura Medcalf existe entre plusieurs mondes — la peinture et la photographie, la terre et la mer, la performance et l’immobilité. Suite à ses débuts remarqués à Londres avec l’exposition personnelle Seeing Beyond, où elle a littéralement fait entrer la nature au cœur de Mayfair, lui parler revenait à pénétrer dans le terrain stratifié de son œuvre : réfléchi, curieux, ancré, et plein de surprises élémentaires. J’étais enthousiaste à l’idée de découvrir l’univers de Laura — sa pratique enracinée dans la nature, l’alchimie de la terre et de l’eau, et la patience méditative qu’il faut pour laisser la terre achever chaque pièce.

Pouvez-vous nous ramener au début ? Comment a commencé votre parcours artistique ?

Laura Medcalf: Quand je préparais le diplôme du Baccalauréat International, j’étais tout le temps dans l’atelier d’art. Je faisais constamment des recherches, j’explorais différents styles. Mais je n’avais que 18 ans, je n’avais pas encore trouvé ma voie. J’ai dit à mes parents et à mes professeurs que je voulais étudier le design de mode pour femmes.

Mon rêve, c’était d’aller à Saint Martin’s, alors j’y ai suivi des cours. Mais un de mes professeurs m’a dit : « Laura, tu es une artiste visuelle. Tu n’as rien à faire dans un atelier de production textile. » Il avait compris que tout mon travail était inspiré par l’art et la nature. J’ai donc postulé à l’Arts University Bournemouth. L’école venait d’être rénovée, c’était magnifique — Wolfgang Tillmans y avait étudié, j’ai rencontré Zaha Hadid. Ils organisaient des conférences passionnantes, j’ai eu beaucoup de chance.

Donc, dès le départ, votre pratique était liée à la nature ?

Laura Medcalf: Oui, je collectais des fleurs botaniques, je faisais des recherches sur les Jardins de Kew, et j’étudiais la migration des plantes. Je faisais des compositions en peinture, dessin, aquarelle. Mais je ressentais un manque, quelque chose à explorer davantage. Je me suis dit : « Et si je travaillais avec le soleil ? » J’ai commencé à expérimenter avec la photographie. Un jour, j’ai surchauffé une boîte à lumière, et j’ai provoqué un petit incendie. Après ça, on m’a interdit de faire des peintures végétales !

J’ai passé du temps près de la mer, à contempler, à y retourner chaque jour. Et je me suis dit : peut-être que je devrais travailler avec la terre. La Jurassic Coast au Royaume-Uni est l’un des littoraux les plus anciens — plein de fossiles, de restes de dinosaures. C’est là que tout a commencé.

Et comment l’eau est-elle entrée dans le processus ? Qu’est-ce qui vous a menée à immerger vos œuvres ?

Laura Medcalf: En étudiant les composants du sol, j’ai découvert qu’il contenait de petits cristaux qui scintillaient et changeaient de couleur au contact de l’eau. Mon travail traverse plusieurs médiums — peinture, photographie, performance, impression, land art — tout se chevauche.

Quand je peins dans la chambre noire, j’utilise un pinceau japonais, très fin et doux. Je fabrique moi-même la peinture, et le papier l’absorbe totalement. Ensuite, je l’enroule dans des tubes protecteurs contre la lumière. Quand je le déroule, il devient brun. Puis, l’eau le transforme : il devient bleu. Cela fait référence au ciel, à la mer, à l’infini. Il y a toujours un moment de boucle bouclée.

Je travaille avec des solides et des liquides — sable, terre et eau. Les cristaux se dissolvent. Tout fait partie du processus de transformation.

Puisque votre travail est guidé par la nature et basé sur la transformation, le résultat vous surprend-il toujours ? Ou développez-vous certaines attentes ?

Laura Medcalf: Je connais les formes — elles restent. Mais les bleus ? Je ne peux jamais les prévoir. Parfois ils deviennent verts, violets, même orange. Chaque eau produit un bleu différent. C’est pour cela que j’utilise de l’eau provenant de différents endroits du monde. La semaine dernière, j’ai utilisé l’eau d’un lac en Hongrie — le résultat était complètement différent de celui de la Méditerranée. Une fois que l’œuvre est plongée, il n’y a pas de retour en arrière. Je dois faire confiance à l’instant. La nature appose toujours la dernière marque.

Récemment, sur la Jurassic Coast, j’ai utilisé un pigment orange extrait d’une roche vieille de 240 millions d’années. C’était la première fois que j’intégrais directement le pigment dans la peinture. Le résultat évoquait un incendie de forêt — c’était magnifique. Quand je travaille avec des rivières, les couleurs deviennent bronze. Mais avec le Danube, jamais. Le lac hongrois contenait des coquillages broyés dans le sédiment, ce qui faisait scintiller toute l’œuvre. On aurait dit une gravure sur bois.

Ce processus a l’air immersif et très présent. Est-il aussi thérapeutique pour vous ?

Laura Medcalf: Absolument. Je souhaite que le spectateur en ressente aussi les bienfaits. Peindre devient une méditation — couche après couche, je déplace de minuscules quantités de sable, parfois je plonge chaque pierre dans l’eau avant de la poser. C’est très lent. Les œuvres sont souvent bicolores — bleu et blanc — mais elles contiennent des centaines de nuances.

Dans mon exposition londonienne Seeing Beyond, je voulais que les gens prennent vraiment le temps d’observer — pas seulement les formes, mais les couches, ce qui les attire. C’est une forme de méditation aussi. Mon travail invite à la tranquillité. Il nous ancre dans le présent.

Vous avez mentionné que vous dessiniez des formes avant d’impliquer la nature. Comment les choisissez-vous ? Sont-elles influencées par votre perception de l’atmosphère ?

Laura Medcalf: Je me concentre sur ce qui m’entoure. Parfois je commence à travailler dès mon arrivée, d’autres fois j’attends d’avoir absorbé le lieu. À Pouilles, j’ai été marquée par les bâtiments anciens — comment la nature finit par les envahir — et j’ai commencé à utiliser des formes plus circulaires, sans espaces blancs. La série caribéenne était différente : sur l’île Saona, site classé UNESCO en République dominicaine, j’ai dû prendre un bateau puis traverser la jungle.

C’était la première fois que je voyais du sable blanc — j’ai commencé à peindre dès mon arrivée. Il y avait une forme d’urgence, d’immersion. En Thaïlande, sur l’île de Phi Phi, je voyageais avec un sac à dos, je me levais tôt pour peindre. Un matin, j’ai marché pieds nus à travers une forêt, et j’ai trouvé une plage qui semblait juste. Cette spontanéité guide beaucoup de mes décisions.

Et comment choisissez-vous vos lieux ? Y retournez-vous ou cherchez-vous sans cesse de nouveaux territoires ?

Laura Medcalf: Parfois je retourne sur un même site, mais jamais exactement au même endroit. Par exemple, je vais retourner sur une plage en Hongrie pour une résidence. Même eau, portion différente.

Je suis très sensible au lieu — je ne vais pas quelque part juste pour produire une œuvre. Il faut que cela résonne. J’adorerais travailler avec du sable volcanique. Je suis allée en Islande, mais il faisait trop froid — le papier ne séchait pas. J’ai aussi travaillé avec de la neige. Une expérience totalement différente. Mais oui, la neige, c’est de l’eau gelée — donc cela faisait sens.

L’un de mes rêves serait de travailler avec du sable noir, peut-être à Lanzarote. Les minéraux présents dans l’eau changent tout. Il y a tant à découvrir. Tant de lieux où la nature a encore quelque chose à m’apprendre.

On a l’impression que vous êtes dans un dialogue constant avec l’environnement — et que vos œuvres contiennent à la fois l’histoire du lieu et votre propre présence.

Laura Medcalf: Oui. Au départ, j’ai le contrôle. J’extrais, je retire, je remets. Il y a une interaction humaine. Mais à la fin, c’est la nature qui termine l’œuvre. C’est une collaboration. Peu importe nos origines, c’est la nature qui donne la dernière touche. Toujours. C’est une collaboration. Certaines pièces sont dynamiques et puissantes, d’autres plus calmes et méditatives.

J’utilise des formes que le cerveau reconnaît : un cercle, une plante, une étoile filante. Ces motifs ont du sens. L’une de mes œuvres, par exemple, fait référence à la tradition de faire un vœu en voyant une étoile filante — une interaction ancestrale et collective avec la nature. Ces instants fugaces me fascinent. L’émotion est centrale dans ma démarche. Quand je me sens submergée ou triste, j’écris, je fais des recherches. Tout finit par s’inscrire dans le papier, d’une manière ou d’une autre.

Suivez la pratique évolutive de Laura Medcalf sur Instagram et découvrez sa récente série avec Apollo Gallery à Budapest. Ses œuvres offrent un rare moment de calme dans un monde chaotique — des pièces superposées, réfléchies, et littéralement enracinées dans la terre.

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