De la RCA à la scène contemporaine: Danny Leyland, nouvelle voix de la peinture britannique
Le Royal College of Art (RCA) arbore une liste d’anciens élèves digne d’un panthéon des artistes britanniques, incluant des figures telles que David Hockney, Tracey Emin, Peter Blake et Chris Ofili. Ces artistes, ayant arpenté les célèbres couloirs de l’institution, ont chacun marqué de leur empreinte l’évolution de l’art moderne et contemporain. Parmi les plus récentes voix à émerger de ce sanctuaire créatif figure Danny Leyland, jeune diplômé du prestigieux programme de peinture de la RCA.
Image reproduite avec l’aimable autorisation de l’artiste
Je m’intéresse à cet instant précis, juste avant que quelque chose ne se produise. Ce moment suspendu avant l’étreinte, ce silence immobile avant que le nuage en forme de champignon n’engloutisse tout
Danny Leyland
La pratique de Leyland s’apparente à une alchimie où les formes expressives de la peinture se mêlent à l’élégance du dessin, à la richesse de la gravure et à la puissance incisive du trait de plume. Cette approche multidisciplinaire constitue le socle fertile d’une carrière prometteuse, une trajectoire qui semble destinée à inscrire Leyland dans les annales de l’art contemporain. Leyland se définit avant tout comme un artisan, un véritable peintre des peintres. S’inscrivant dans la tradition des figures dans le paysage, son inspiration se nourrit de la nature comme matrice originelle, des souvenirs et des chronologies d’un passé ancestral.
Les œuvres de Leyland prennent souvent naissance dans des dessins initiaux, des images trouvées ou même des captures de films. De ces sources, l’artiste développe son propre récit, cherchant, selon ses mots, à « construire un monde à l’intérieur et autour de l’image », souvent à travers des séries cohérentes. Dans sa série Commonplace Dramas, Leyland explore les expériences quotidiennes, révélant les tensions silencieuses et les émotions inexprimées sous-jacentes à nos vies. Par une perspective surréaliste, il sublime ces instants anodins pour en révéler les dimensions émotionnelles et psychologiques.
Sa série de peintures funéraires aborde un sujet sombre mais captivant, interrogeant la condition humaine face à la fatalité. Leyland y explore son rapport avec les morts et les lieux de sépulture, méditant sur les notions d’appartenance et de connexion aux espaces ultimes du repos. L’une des œuvres marquantes de cette série, Pearly King, évoque une scène onirique où trois figures semblent partager une tombe, comme trois corps dans un lit, dans divers états de repos. La composition, richement stratifiée, révèle deux humains : l’un paisiblement endormi, l’autre éveillé tenant ce qui semble être un poisson. Entre eux, un squelette en décomposition orné de perles dispersées, traversé par une plante verte enracinée dans la terre de ce lit funéraire commun. À travers cette série, Leyland offre une forme de réconfort tout en suscitant une réflexion sur la condition mortelle et le dernier chapitre de l’existence.
Dans sa série récente intitulée Predecessor, Leyland plonge dans les récits du passé pour interroger la nature instable, conflictuelle et déroutante du colonialisme. Cette exploration articulée du récit, de la couleur et de la forme atteint son apogée dans Pride of the Vanquished, une critique sociopolitique sur l’effondrement des structures de pouvoir. L’œuvre présente, au premier regard, les vestiges d’une autorité déchue, renversée par un souffle symbolique d’idées nouvelles, porté par une jeunesse en devenir. Des joueurs de rugby, penchés dans une posture de fatigue ou de défaite, ajoutent une touche de réalisme à cette scène autrement surréaliste. Une silhouette vêtue d’un t-shirt rouge, au regard empreint d’avertissement, occupe une place centrale, ancrant la composition dans une tension narrative.
Les interprétations de Pride of the Vanquished sont multiples. L’œuvre reflète la résilience de l’esprit humain tout en redéfinissant la noblesse. Leyland capte cet instant fragile où, au cœur de la défaite, persiste une fierté muette – une exploration poétique des forces qui perdurent malgré l’adversité.
À travers l’ensemble de son œuvre, Leyland captive le spectateur comme un silence intense précédant le désastre, ou un souffle retenu dans l’attente. Ses peintures incarnent une poésie en mouvement, transformant chaque toile en un espace de réflexion. Reconnu pour son talent exceptionnel, Leyland a reçu à deux reprises la prestigieuse bourse Elizabeth Greenshields. Ses œuvres ont été présentées dans des expositions internationales en Australie, en Inde, en Corée du Sud et au Royaume-Uni.
À une époque où les installations, les médias numériques et la performance dominent le paysage artistique, qu’est-ce qui définit une pratique artistique ? Cette question, complexe, trouve une réponse dans l’engagement de Leyland envers la tradition des figures dans le paysage. Ce choix ne relève pas de la nostalgie, mais témoigne de la pérennité de la peinture en tant que médium. Malgré l’évolution des formes artistiques, Leyland rappelle que les qualités intemporelles de la grande peinture continuent d’exister et de fasciner.
Lors d’une récente rencontre avec l’artiste, nous avons exploré ses sources d’inspiration, sa pratique et sa vision pour l’avenir. Une promesse de dialogue continu entre passé, présent et futur dans l’histoire de l’art.
Salut Danny, merci de nous parler. Pourriez-vous vous présenter à ceux qui ne connaissent peut-être pas encore votre travail ?
Danny Leyland : J’ai réalisé des œuvres très variées, allant de la performance et du costume à la vidéo et aux livres d’artistes, la plupart tournant autour de ma relation au paysage, à la mémoire, aux récits du passé ancien, etc. Ces dernières années, depuis environ 2019, je me suis de plus en plus concentré sur la peinture. D’une manière générale, je dirais que je travaille dans la tradition des figures dans le paysage, une tradition qui va des premières représentations des saints dans le désert, en passant par les romantiques, puis Gauguin, Van Gogh, les réponses de Francis Bacon à Van Gogh, Munch, et, plus récemment, Peter Doig et Andrew Cranston.
Pouvez-vous partager quelques moments clés de votre parcours artistique et expliquer ce qui vous a inspiré à suivre la voie de l’artiste ?
Danny Leyland : Je n’avais jamais imaginé qu’on pouvait étudier l’art à l’université ! Je crois que je n’avais jamais entendu parler des écoles d’art. J’avais initialement postulé pour étudier la géographie, de toutes choses ! Puis, un jour, mon professeur d’art m’a demandé : « As-tu pensé à aller à l’école d’art ? », et j’étais là, à me demander ce que c’était. Il m’a suggéré de postuler pour un programme de fondation en art, pour voir si cela me plaisait, et je n’ai jamais fait marche arrière.
Je ne me suis pas lancé avec quelque chose de particulier à dire, mais je savais que j’adorais créer des choses. J’étais captivé par l’excitation de « penser avec les mains », ou, pour le dire autrement, de créer du sens en manipulant les matériaux. J’aimais aussi la liberté d’apprendre ce que je voulais. Et cette manière qu’avaient les tuteurs de vous mener dans toutes sortes de labyrinthes passionnants, à travers différentes références et suggestions, en élargissant une discussion.
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Votre pratique intègre le dessin, la gravure et l’écriture avec la peinture. Pourriez-vous expliquer comment ces médiums interagissent avec les thèmes que vous explorez ?
Danny Leyland : En tant qu’artiste, j’ai dû faire preuve de grande flexibilité pour m’adapter à ma situation. J’ai beaucoup bougé, et, durant les « années sauvages » où je n’avais pas accès à un atelier de peinture permanent, je continuais à travailler autrement, que ce soit en écrivant des nouvelles dans le train ou en utilisant les ateliers de gravure de l’école où je travaillais, le soir après les cours.
Différents aspects de ma pratique restent assez séparés, je pense. Je n’écris pas sur mes peintures ni ne peins à partir de mes gravures. Mais je trouve que chaque processus me permet d’aborder mes intérêts et de questionner mes recherches de manières différentes. La peinture peut parfois sembler extrêmement directe en raison de sa capacité à retenir le regard, mais elle existe toujours au sein d’un langage et d’une tradition spécifiques.
En écriture, je me permets d’être beaucoup plus personnel et de laisser libre cours à mon imagination, probablement parce que je ne la critique pas de la même manière. La gravure, quant à elle, m’a poussé à repenser la manière dont j’organise et présente un projet, à impliquer d’autres artistes et écrivains, et à envisager différentes façons d’interagir avec le public en dehors des expositions.
Dans votre travail, trouvez-vous qu’un médium influence plus un autre, ou bien s’intègrent-ils harmonieusement ?
Danny Leyland : Je ne fais généralement pas de travaux mixtes, si c’est ce que vous demandez. Je suis assez puriste en peinture, et je ne mélange pas les matériaux avec la peinture que j’utilise. Les autres aspects de ma pratique viennent en soutien de ma peinture. La plupart des dessins que je fais sont des sortes de plans ou d’idées de composition pour des peintures, bien que j’apprécie aussi de dessiner pour le plaisir, notamment dans les musées et en voyage. Je collectionne des objets et des photographies, et je tiens des carnets de notes en permanence. Parcourir tout cela, c’est comme organiser mon propre petit musée. Un processus joyeux et souvent surprenant.
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Vous avez décrit des moments dans vos peintures qui « promettent un sentiment d’éruption imminente ou de contact ». Comment construisez-vous cette tension au sein de vos compositions ?
Danny Leyland : Je m’intéresse à trouver le moment juste avant que quelque chose ne se produise. Cet instant figé avant l’étreinte, ce silence avant que le nuage en forme de champignon n’engloutisse tout. – Ce que Oli Hazzard a appelé, en parlant des peintures d’Andrew Cranston, « ce sentiment de vertige émotionnel ». Là où cela se manifeste dans mon propre travail, tout repose sur la contingence de la sélection et de l’utilisation des images, qu’elles proviennent de ma propre collection de photos, de captures de films, de livres de référence ou autres.
Dans certaines images, il y a une qualité de fascination dans les figures, figées en pleine action, où le passé immédiat et le présent des actions des figures restent inexpliqués, pris dans un « présent figé » – pour reprendre l’expression de John Fowles. Ailleurs, j’ai utilisé des images dans lesquelles le regard ou la posture des figures interagit directement avec le spectateur. Dans les deux cas, il peut y avoir une sorte d’échange empathique entre la subjectivité du spectateur et la figure peinte.
Un excellent exemple de cet échange se trouve dans Le Baptême du Christ de Piero della Francesca, où le corps, pâle et magnifiquement dessiné, semble sortir de la peinture et se diriger vers le spectateur, et l’on ressent vraiment que l’on est sur le point de se retrouver à proximité de cette personne. Au-dessus, suspendue dans les airs, la goutte d’eau baptismale de la coupe renversée est sur le point de toucher sa tête.
Devant une telle peinture, on peut approcher l’idée d’une sorte d’union extatique, une expérience qui encapsule également l’expérience opposée, le potentiel destructeur de la rupture ou de la séparation. Mes peintures ne sont pas des œuvres religieuses, mais je suppose que je veux qu’elles fonctionnent de manière similaire, où les figures ne sont pas maintenues à distance, mais apparaissent avec toute l’immédiateté et la présence d’une vision. Si les peintures traitent de la proximité et de l’imminence, elles concernent tout autant l’aliénation et la déconnexion.
Comment le concept de temps influence-t-il vos choix de scènes ou de sujets ?
Danny Leyland : À un moment donné, il y a quelques années, j’ai suivi un cours court en archéologie. J’ai fait du bénévolat pour Archaeology Scotland, et j’ai participé à une fouille sur un fort de l’âge du fer dans le nord du Pays de Galles. On peut donc dire que je suis fasciné par l’étude du passé ! À l’époque de la pandémie, je réalisais ces « peintures de sépulture », des scènes de sépultures préhistoriques réimaginées dans un environnement contemporain. Je réfléchissais à mon lien avec les morts et les enfouis dans le paysage, pour re-conceptualiser un sentiment d’appartenance à un lieu.
Une partie de mon expérience de vivre dans le paysage historique complexe et stratifié de la Grande-Bretagne, c’est ce puissant sentiment de présence et de proximité, que j’ai parfois trouvé profondément émouvant, le passé se manifestant soudainement même dans les moments les plus banals et quotidiens.
Dans mon travail récent, j’utilise des images provenant de différentes sources, combinées au cours du processus de peinture en une seule composition, réunissant leurs conditions de lumière, leur direction des ombres, leur sens du mouvement et de la proportion, ainsi que différents types de vêtements ou d’objets de différentes époques. Au fur et à mesure qu’elles convergent, ces temporalités changeantes contribuent à créer ces glissements, ces moments d’éruption où le passé coexiste avec le présent.
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Quelles réactions ou interprétations de la part du public vous ont surpris ou remis en question, et quel rôle le spectateur joue-t-il dans la complétion du récit de vos œuvres ?
Danny Leyland : T.S. Eliot disait qu’une bonne poésie communique avant d’être comprise. Une bonne peinture doit probablement faire de même, dans le sens où, même si l’on ne comprend pas ce qui se passe, elle doit tout de même engager le public par sa forme, ses images, ses couleurs, etc.
Je ne veux pas trop en dire ou rendre les choses trop faciles pour le public. Je suis intéressé par la création d’une surface picturale qui offre une « libération lente » d’informations, nécessitant une interaction soutenue de la part du spectateur. Pour ce faire, j’ai tendance à obscurcir et à enterrer des formes dans la peinture, à fusionner différents espaces et perspectives, à brouiller les frontières et à atténuer les contrastes tonals. D’un autre côté, la cohérence de la peinture dans son ensemble, ses images centrales, etc., doit être laissée libre de s’imposer et de parler directement au spectateur. C’est quelque chose sur lequel j’ai travaillé tout au long
de l’année au RCA – gagner la confiance nécessaire pour réaliser le potentiel du matériau visuel avec lequel je travaille.
Dans la série ‘You’re the Last’, vous remettez en question la nature de la réalité avec des scènes de chasse entrelacées d’images tactiles. Qu’est-ce qui vous a inspiré ce thème, et que souhaitez-vous communiquer ou questionner sur la réalité à travers ces représentations ?
Danny Leyland : Ces deux peintures tirent leur imagerie d’une photographie datant de l’époque coloniale que j’ai vue lors d’un voyage en Tasmanie l’année dernière. Mes peintures se développent souvent à partir d’un dessin ou d’une photographie initiale, ou d’une image de film, un élément choisi pour la manière particulière dont il semble évoquer une expérience. J’élabore ensuite un « monde » autour de cette image, en ajoutant des éléments d’information visuelle, me laissant guider par la manière dont ces éléments peuvent perturber ou enrichir la composition ou le récit, ou les deux.
Cette photographie des chasseurs de cygnes était un exemple parfait. J’ai su instantanément en la voyant qu’elle ferait un matériau vif et intrigant pour une peinture. La beauté des cygnes noirs, et les poses héroïques des chasseurs sur fond de paysage aquatique, forment un contraste saisissant avec l’histoire sombre de destruction écologique et de violence coloniale commise contre les peuples aborigènes. Les images et récits du passé restent si séduisants et fascinants, même lorsque nous essayons de nous éduquer sur les ravages causés par le projet colonial. Je m’intéresse à l’endroit où ces émotions contradictoires se produisent.
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Les scènes de chasse portent souvent des significations symboliques riches. Dans cette série, quelles dimensions métaphoriques explorez-vous, et comment les perturbations que vous introduisez s’inscrivent-elles dans ces thèmes ?
Danny Leyland : La chasse comporte un élément de rituel, fortement exprimé à travers le costume et l’apparat du chasseur. Dans les manifestations rituelles, le costume permet au participant de se soustraire aux contraintes sociétales habituelles et d’entrer dans un domaine de possibilités transformées.
Dans une grande partie de l’imagerie que j’utilise, il y a une qualité de costume et de performance, dans les images de courses de chevaux, par exemple, ou de joueurs de rugby, ou encore de bûcherons. Je m’intéresse à la possibilité que ce que nous voyons ne soit qu’une version réenactée ou répliquée des événements, plutôt que la réalité.
Dans la littérature de la romance médiévale, la chasse fournit de magnifiques démonstrations de masculinité courtoise, où les chevaliers ont tous l’occasion de montrer leur vertu chevaleresque et leur prouesse martiale. Dans le poème de Gauvain, par exemple, il y a une section où le pauvre héros est terriblement honteux car il passe toute la journée au lit, taquiné par la femme de son hôte, tandis que son hôte part chasser chaque jour. On est censé comprendre que Gauvain est doublement humilié, non seulement parce qu’il ne se promène pas dans les bois pour prouver ses talents de chasseur, mais aussi parce que sa vertu masculine est ternie.
Dans la chasse médiévale, la masculinité s’affirme par la violence et établit une relation d’exploitation avec le monde naturel. On comprend bien que les victoriens étaient obsédés par les idées médiévales de chevalerie. Ils réenactaient même leurs propres joutes et tournois ! Les hommes qui allaient devenir officiers de l’armée et administrateurs du gouvernement à l’époque coloniale étaient élevés avec les mêmes leçons chevaleresques de violence et d’exploitation.
You’re the Last, ma peinture pour l’exposition du RCA, juxtapose ces deux formes d’activité d’exploitation. Le modèle réduit de bateau au premier plan est un transporteur de gaz naturel liquéfié (on voit LNG écrit sur la coque), une composante clé du système mondial de dépendance aux combustibles fossiles. Et au-dessus du navire, il y a une bande de colons travailleurs du XIXe siècle, dans ce qui était alors la Terre de Van Diemen, chassant des cygnes noirs.
La chasse courtoise, décrite dans les romans médiévaux, pouvait ressembler au chef-d’œuvre de Paolo Uccello, La Chasse dans la forêt, mais les chasseurs de cygnes dans leurs manteaux usés ressemblent davantage aux célèbres chasseurs de Pieter Bruegel, courbés et avançant péniblement dans la neige. Ce sont des hommes avec des chapeaux, armés de fusils. « Des gamins avec des jouets ». Je suis conscient d’être un artiste s’identifiant comme homme, et que mes peintures s’intéressent à la masculinité.
Nous sommes culturellement dans une période de transition, où de nombreux mythes traditionnels de la masculinité (y compris ceux liés à la chasse et au combat) ont été jugés inadéquats et inappropriés pour la société contemporaine, ce qui, pour certains hommes, a entraîné une crise d’identité. Le titre de ma peinture, You’re the Last, qui vient d’une réplique du roman Tinker Tailor Soldier Spy de John le Carré, fait référence à cette crise. « Pauvres chéris. Formés à l’Empire, formés à régner sur les mers… Vous êtes le dernier George ».
En regardant vers l’avenir, y a-t-il des thèmes ou des techniques que vous n’avez pas encore explorés mais que vous souhaitez intégrer dans vos œuvres futures ? Comment voyez-vous votre art évoluer dans les prochaines années ?
Danny Leyland : Oui, je travaille sur des projets passionnants pour l’année prochaine, y compris ma première exposition personnelle à Londres. Et j’aimerais vraiment me concentrer sur une réponse complète à ce défi, d’une manière qui dépasse un simple ensemble de peintures. En collaboration avec des techniciens et des designers, j’aimerais développer les possibilités de mes peintures en tant qu’objets, de manière à situer le travail et la galerie dans un espace domestique et plus personnel, empreint d’imagination.
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Enfin, pourriez-vous partager la philosophie qui guide votre art ? Comment comprenez-vous l’importance fondamentale de l’art dans votre vie et votre carrière ?
Danny Leyland : Je pense que j’ai toujours eu le sentiment que le fait d’être un artiste est moins important ou moins intéressant pour moi que celui de faire de l’art. – En d’autres termes, je ne pense pas que les artistes soient nécessairement différents des autres, ou qu’ils aient été choisis comme « faisant partie des élus ». Je suis beaucoup plus attiré par l’idée de l’artiste médiéval qui est un peu un homme de métier, un artisan itinérant. Quelqu’un qui met juste les heures qu’il faut, et qui fait le travail !
En ce qui concerne le travail lui-même – eh bien, il y avait un adage que j’ai appris en me formant pour devenir enseignant, et qui disait que l’enseignement est toujours professionnel, personnel et politique – et je pense que c’est également très vrai pour l’art ! Aucun de nous ne crée dans le vide.
©2025 Danny Leyland
Rédacteur collaborateur qui chronique le joyeux chaos de l’art contemporain — quand il peut s’y rendre. Survit grâce aux vernissages, aux opinions, une galerie, une œuvre à la fois. Considère l’espresso comme un repas.
