Il est difficile de ne pas froncer les sourcils face à ce qui est considéré comme de l’art contemporain de nos jours. Par moments, je me sens pris dans un paradoxe : il y a tellement d’art que j’aime, et pourtant, beaucoup qui me semble, disons… un peu insipide ! Nous vivons à une époque de production artistique sans précédent, où tout le monde – de leur mère à leur grand-père en passant par leur cousin – revendique le titre d’« artiste », et où de nombreux adeptes de l’esthétique se proclament curateurs, moi y compris. Le résultat est un monde saturé d’opinions visuelles, laissant une grande partie de ce que nous rencontrons ressembler à un reboot de film que nous n’avons jamais demandé.
Ce qui manque à beaucoup d’art contemporain aujourd’hui, et qui le rend inaccessible pour la majorité des gens, c’est l’accessibilité, le jeu, la profondeur, et un véritable sens de l’humour pour stimuler l’intellect. C’est comme si le monde de l’art avait oublié comment rire de lui-même, ou pire, avait perdu le contact avec les gens qu’il prétend représenter.
Un bon tableau est un bon tableau ; pour reformuler, une grande œuvre d’art est une grande œuvre d’art. Mais, comme Grayson Perry l’a si bien écrit dans le titre de son livre de 2014, Playing to the Gallery (ou plus précisément, en jouant pour une fraternité insulaire), tel a toujours été le consensus dominant.
Image avec l’aimable autorisation de l’artiste
© MSCHF
Un monde de tribus artistiques
Croire que le monde de l’art est une utopie harmonieuse est une dangereuse illusion. Cela peut ressembler à un Game of Thrones, avec sa part de Cersei, Joffrey, Littlefinger, et pas beaucoup de Jon Snow. Et l’hiver peut être glacial lorsque les portes sont fermées. Peu importe où vous vous trouvez dans le cube sacré, l’art devient tribal.
Permettez-moi de poser une question : combien d’œuvres d’art avez-vous réellement mémorisées, celles qui vous ont arrêté et fait réfléchir, sans simplement cliquer sur « J’aime » avant de faire défiler vers la prochaine image ? J’imagine très peu.
Au fil des années, regarder de l’art est devenu une routine, un processus mécanique amplifié par l’ère numérique. Dans la vie réelle (IRL, comme on dit), c’est souvent une visite rapide à la galerie pour collecter quelques images – « Hé, j’y étais » – mais avez-vous vu ? Cela vous a-t-il touché ? Pouvez-vous encore vous en souvenir ?
Participer au tournoi pour être un artiste à l’ère des réseaux sociaux, c’est comme s’asseoir devant une machine à sous à Las Vegas, tirer le levier et espérer décrocher le jackpot avec chaque publication. C’est une quête de popularité plutôt qu’un exercice de talent esthétique.
Puis nous avons Andy Warhol, dont les sérigraphies ont bouleversé le monde de l’art, et Yves Klein, qui a monétisé le concept même de la valeur. Ces artistes ont prouvé que, dans l’art, une idée peut littéralement valoir son pesant d’or. Ils ont redéfini les règles, nous invitant à interroger la nature de l’art et son rôle dans le capitalisme, la consommation et la société.
MSCHF: un héritage de rupture
Comme eux, MSCHF réécrit les règles de l’art, sa signification et ses modes de production. Le collectif évite les traditions et les consensus populaires à travers des projets alliant consommation, culture pop et satire, exécutés avec l’efficacité d’un tube pop. Avec un humour et un commentaire social constants, percutants et incisifs, il est impossible de ne pas rire.
De l’absurdité fantaisiste de leurs Big Red Boots à la réinterprétation sombre des Nike Air Max 97, MSCHF transforme les chaussures en déclarations artistiques, défiant de front la culture des sneakers. Ces projets vont au-delà de brouiller les lignes entre art et marchandise ; ils nous poussent à reconsidérer l’acte même de création dans une culture saturée par le branding et le battage médiatique.
Avec le Museum of Forgeries, MSCHF signe un chef-d’œuvre de subversion créative. Ils ont acheté une œuvre originale de Warhol (Fairy), puis ont fabriqué 999 copies parfaites grâce à un robot, rendant l’original impossible à distinguer des répliques. En effaçant la frontière entre l’original et l’imitation, ils remettent en question l’obsession du monde de l’art pour la provenance et la valeur.
De la même manière que Warhol brouillait la distinction entre originalité et reproduction, MSCHF pose une question à la fois philosophique et financière : dans un monde où tout le monde peut posséder « l’original », quelle en est la véritable valeur ?
Subversion et satire
MSCHF incarne un esprit rebelle qui évoque celui de Marcel Duchamp, qui, avec son urinoir (Fountain), a balayé la tradition et laissé le monde débattre de ce qu’est réellement l’art. Tout comme le dadaïsme questionnait le sérieux de l’art, MSCHF utilise l’ironie et l’humour pour faire tomber les prétentions du monde de l’art et nous interroger sur sa finalité et son public.
Comment oublier leur projet Severed Spots, une dissection du monde souvent absurde des investissements artistiques ? Prenant une peinture emblématique de Damien Hirst, MSCHF a soigneusement découpé ses 88 taches colorées, vendues individuellement pour 480 $ chacune, laissant une toile ressemblant à un morceau de fromage suisse. Cela soulève la question : la vraie valeur de l’art réside-t-elle dans son ensemble ou dans la somme de ses parties ?
Avec Dead Startup Toys, une série satirique de miniatures représentant les échecs les plus notoires de l’industrie technologique, MSCHF brouille encore davantage les frontières entre art et produit, exposant l’absurdité de nos habitudes de consommation.
Leur performance Key4All, qui moque l’économie du partage, a également fait sensation. Offrant à tout le monde une clé pour la même voiture partagée, ils ont transformé un simple concept en chaos collectif, un mélange glorieux de Grand Theft Auto et de satire sociale.
MSCHF: au-delà des galeries
MSCHF repousse les limites de l’art au-delà des murs des galeries. Leur travail n’est pas une simple réflexion, mais une perturbation, nous obligeant à affronter les absurdités de la société contemporaine. Leur radicalité leur a valu quelques procès de grandes entreprises comme Nike et Vans, soulevant des débats sur les frontières floues entre propriété intellectuelle, expression artistique et marketing à l’ère numérique.
Malgré leur approche non conventionnelle, MSCHF a gagné la reconnaissance du monde de l’art traditionnel : le collectif est désormais représenté par Perrotin et a organisé sa première rétrospective muséale, Nothing Is Sacred, en Corée du Sud au Daelim Museum.
Au cœur de ce collectif bat la vision de Warhol sur « le business comme art ». Avec chaque projet et chaque point de distribution, ils transforment le commerce en critique culturelle audacieuse et directe. MSCHF nous rappelle que l’art a encore le pouvoir de choquer, de déstabiliser et de nous interroger sur le monde de manière inattendue.
En paraphrasant Cynthia Freeland : « Mais est-ce de l’art ? » La vraie question est : pourquoi ne le serait-ce pas ?
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©2024 MSCHF
Rédacteur collaborateur qui chronique le joyeux chaos de l’art contemporain — quand il peut s’y rendre. Survit grâce aux vernissages, aux opinions, une galerie, une œuvre à la fois. Considère l’espresso comme un repas.
