Mat Collishaw: La danse énigmatique de la beauté et des ténèbres

La pratique de l’artiste visuel britannique Mat Collishaw incarne une fusion saisissante entre maîtrise technologique et profondeur conceptuelle, faisant de lui une figure incontournable de l’art contemporain. Membre clé du groupe pionnier d’artistes britanniques ayant émergé du vivier artistique du Goldsmiths College de Londres à la fin des années 1980, Collishaw a cultivé son amour pour la photographie et la vidéo, nourri par une fascination pour la littérature pathologique.

En tant qu’artiste, il est essentiel de toujours vouloir expérimenter et explorer de nouveaux horizons. Une des façons d’y parvenir est d’utiliser de nouveaux matériaux, de nouveaux médiums, des techniques inédites, des éléments qui viennent tout juste d’apparaître.

Mat Collishaw

Son entrée dans le monde de l’art a été véritablement sensationnelle. En 1988, Collishaw a dévoilé son œuvre désormais iconique Bullet Hole, une photographie en gros plan d’une blessure par balle à travers un cuir chevelu humain, exposée sur 15 caissons lumineux. Cette pièce percutante figurait dans l’exposition marquante Freeze organisée par Damien Hirst, un événement qui a propulsé l’ascension des Young British Artists (YBAs) et placé Collishaw au premier plan de ce mouvement.

Depuis lors, Collishaw continue de captiver le public, explorant les intersections entre l’organique et le synthétique, le naturel et l’artificiel. Son travail enveloppe souvent les spectateurs dans un tourbillon sensoriel, oscillant entre émerveillement et malaise, entre révérence et une beauté troublante. Cependant, sous l’attrait esthétique se cache une enquête plus profonde sur la fragilité de la vie, la nature du désir et les complexités de la condition humaine. Ce fil thématique traverse toute la diversité de son œuvre, des représentations obsédantes de la flore et de la faune atteintes de maladies sexuellement transmissibles aux sculptures épurées où câbles et circuits s’animent, portés par des flux de données.

L’une des œuvres les plus saisissantes de Collishaw, All Things Fall, réinvente le Massacre des Innocents biblique sous la forme d’un zootrope tournant. La pièce devient de plus en plus graphique et dérangeante à mesure qu’elle tourne, offrant une méditation puissante et immersive sur la violence et la souffrance humaine, capable de toucher même l’observateur le plus détaché.

Au cours de près de quatre décennies, les contributions de Collishaw au monde de l’art ont été profondes. Ses œuvres ont été exposées dans des expositions individuelles prestigieuses et des expositions collectives internationales, lui valant la reconnaissance des critiques, des collectionneurs et de ses pairs. Son exposition actuelle à la Bomb Factory de Londres, All Things Fall, se penche sur les implications plus sombres des réseaux sociaux et sur la manière dont ces plateformes déforment nos perceptions. Mêlant animatronique, zootropes et peinture brute, l’exposition nous invite à affronter les conséquences inquiétantes d’un monde médiatisé par le numérique.

Le travail de Collishaw continue de fasciner, entraînant les spectateurs dans un espace où beauté et terreur s’entrelacent. À travers son art, il soulève des questions sur notre manière d’interagir avec le monde, nous poussant à réexaminer ce que nous voyons et comment nous le voyons—transformant ces interrogations en une forme d’art à part entière. Sa pratique reste une réflexion poignante sur la réalité complexe et en constante évolution de notre époque.

J’ai eu le privilège de m’entretenir avec Mat Collishaw pour discuter de son processus, de sa vision, et des projets à venir pour cet artiste avant-gardiste.

Mat ! Comment vas-tu ? Merci de prendre le temps de nous parler. Pourrais-tu te présenter à ceux qui ne te connaissent pas ?

Mat Collishaw : Je m’appelle Mat Collishaw et je suis un artiste visuel. J’expose dans des galeries et des musées, et je travaille avec une grande diversité de médias. En général, en fonction de l’idée que j’ai, j’essaie de trouver le meilleur médium pour aborder cette idée.

Tu es un artiste en activité depuis près de quatre décennies. Peux-tu nous parler de tes débuts dans l’art et de la manière dont l’art a influencé ta vie ?

Mat Collishaw : Je ne pensais pas que je ferais cela aussi longtemps. À l’origine, je voulais être soldat. Ensuite, je voulais être footballeur, puis jouer dans un groupe de musique. Et j’ai commencé à réaliser que je n’étais bon dans aucun de ces domaines. Je n’y arrivais tout simplement pas.

Mais ce que je faisais de manière obsessionnelle, c’était les dessiner tous. J’aimais dessiner des batailles, des matchs de football, puis des guitares, ce genre de choses. Et je me suis dit : « Bon, ok, je deviens plutôt bon à ce jeu de dessin. C’est la seule chose que je fais bien. » Et puis, bien sûr, il faut faire un choix sur la discipline à suivre. On pourrait potentiellement devenir graphiste, designer industriel, designer textile, ou autre chose.

J’ai suivi un cours de base au Trent Polytechnic, et j’ai su instinctivement que les Beaux-Arts allaient être mon choix, même si je ne savais pas vraiment ce que c’était. Je pensais d’abord qu’il s’agissait juste de lignes très finement dessinées. J’ai vaguement compris que c’était une question d’idées, et d’explorer des idées à travers des images et des sculptures, et cela a eu un impact profond sur moi.

Je pense que c’est parce que j’étais assez timide. J’avais du mal à communiquer avec les gens, et l’art était une forme alternative de communication où tu pouvais créer quelque chose puis quitter la pièce. Les gens pouvaient alors venir observer ce que tu avais fait, et c’était comme si tu avais une conversation avec eux à travers cette œuvre. C’était une façon de combler le fossé entre moi et le monde. Cela m’a ironiquement conduit à faire plus d’interviews et de conversations que je n’en aurais faites si je n’avais pas commencé à créer tout cela au départ.

Tu as étudié à Goldsmiths University aux côtés de plusieurs autres artistes, dont toi-même, qui allaient jouer un rôle significatif dans l’art britannique. Pourrions-nous aborder tes centres d’intérêt à l’époque de Goldsmiths et voir dans quelle mesure cette formation a contribué à ta croissance artistique et à forger ton identité en tant qu’artiste ?

Mat Collishaw : Oui, bien sûr. Je ne sais pas dans quelle mesure tu es familier avec l’environnement là-bas, mais c’était un collège assez brutal. Je ne sais pas si c’est encore pareil aujourd’hui, mais à l’époque, on ne te donnait rien à faire. Il n’y avait pas de programme, pas de plan. Tu arrives et ils te disent : « OK, débrouille-toi. » Et là, tu te dis : « Qu’est-ce que je vais faire ? Qu’est-ce qui m’intéresse ? Est-ce que je suis bon en peinture ? Devrais-je faire de la photographie ? Et la sculpture ? Ou le cinéma ? » Toutes ces options sont intimidantes.

Tu dois progressivement découvrir et questionner quels sont tes centres d’intérêt spécifiques. J’ai traversé de nombreuses phases expérimentales durant ma première année à Goldsmiths. J’étais plutôt bon en dessin, je savais assez bien façonner des choses, mais ce n’était pas suffisant. Par exemple, je travaillais sur un portrait sensuel et fumant d’un arbre local très taillé, en utilisant du fusain et des crayons conté. Un de mes tuteurs m’a dit : « Oui, c’est pas mal, mais ça te fait une différence que l’arbre que tu as dessiné pousse dans la ville, au milieu du béton, plutôt que dans les champs verts de la campagne ? » C’était quelque chose auquel je n’avais jamais pensé. J’ai donc commencé à me dire qu’il fallait peut-être réfléchir à ce genre de choses. Un autre tuteur m’a fait une critique après que j’aie travaillé pendant plusieurs mois et il m’a dit : « Hmm… intéressant, je suis intrigué par cette chose-là. » Il pointait un paquet de cigarettes Camel froissé par terre, qu’il trouvait plus intéressant, sculpturalement parlant, que tout ce que j’avais produit. Cela pourrait sembler absurde ou sarcastique, mais je pense qu’ils voulaient dire que ce paquet avait une signification culturelle et sculpturale, lisible sémiotiquement. C’était un paquet de cigarettes omniprésent, vide, abandonné, écrasé et inutile. Je crois que la première chose importante que j’ai commencée à faire, c’était d’arrêter de dessiner et de chercher des photos dans des livres et des magazines, pour ensuite essayer de faire quelque chose avec ces images trouvées.

J’ai commencé à travailler avec des livres de pathologie médicale et des images pornographiques, des visuels très chargés, avec une intensité propre à l’image. À cette époque, beaucoup d’expositions d’art formel étaient présentées, avec des œuvres qui s’occupaient de préoccupations purement artistiques, des choses avec lesquelles le grand public ne pouvait pas vraiment s’engager sans lire des tonnes de textes.

Je voulais travailler avec des choses auxquelles les gens ne pouvaient pas rester indifférents, des choses qui ne pouvaient pas juste être regardées brièvement puis oubliées. Des œuvres avec une puissance émotionnelle forte. Cela m’a conduit à créer ma première véritable œuvre, Bullet Hole, une photographie d’une blessure sur le crâne d’un homme, que j’ai agrandie et installée dans une boîte lumineuse. C’était une image de 8 pieds sur 12 pieds, plus grande que toi lorsque tu te tenais devant. C’était comme un panneau publicitaire rétroéclairé avec cette image horrifiante de violence primaire.

À l’époque, The Atrocity Exhibition de J.G. Ballard a eu une influence particulière sur moi, et c’est toujours le cas. Dans ce livre, il parle de la fin du 20e siècle, de notre dépendance aux machines, aux voitures, aux avions, à toutes ces entités métalliques et mécaniques, apparemment superficielles, que nous embrassons et avec lesquelles nous interagissons, et du détachement émotionnel qu’engendre ce monde impersonnel et rapide. Une obsession malsaine mais non anormale pour les célébrités et la violence.

Je cherchais à créer un art chargé émotionnellement dans cette époque émotionnellement détachée dans laquelle nous vivons. Cependant, chaque aspect de cette œuvre pouvait être lu et décodé. Sculpturalement, c’était intéressant parce qu’on pouvait en lire la signification, et c’est ce à quoi un artiste doit prêter attention. Porter attention aux moindres détails, car ce sont toutes des informations auxquelles nous, en tant qu’êtres humains, réagissons constamment, généralement de manière inconsciente. Goldsmiths m’a appris qu’un paquet de cigarettes froissé pouvait être aussi intéressant qu’une sculpture de Rodin, parce que l’esthétique et les idées ne devraient pas être purement académiques. L’art doit être un moyen de revigorer nos réponses à toutes les expériences, même les plus banales.

Votre pratique artistique intègre souvent des références à l’histoire de l’art, que vous réinterprétez à travers une perspective contemporaine. Comment sélectionnez-vous ces œuvres historiques et que cherchez-vous à accomplir en les présentant dans un nouveau contexte ?

Mat Collishaw : En tant qu’artiste, je pense que l’on cherche toujours à expérimenter pour découvrir de nouveaux terrains. Une façon de le faire est d’utiliser de nouveaux matériaux, de nouveaux médiums, de nouvelles techniques — des choses qui viennent tout juste d’apparaître, comme la réalité virtuelle ou certaines techniques animatroniques. Mais si l’on utilise ces technologies uniquement pour elles-mêmes, cela devient moins intéressant. J’essaie de lier ces technologies modernes à quelque chose d’historique, pour créer un pont entre ce qui s’est passé dans le passé et là où nous nous dirigeons dans le futur.

C’est plus excitant de revisiter des événements historiques et de les médiatiser à travers la technologie. Lorsque la réalité virtuelle est devenue relativement accessible il y a environ sept ans, et que nous avons pu créer nos propres contenus, je me suis dit que, étant un artiste visuel travaillant avec de nombreux médiums, je devais tenter de travailler avec ce média révolutionnaire. Mais je n’arrivais pas à trouver un sujet qui me paraissait vraiment convaincant.

Puis, par hasard, j’ai eu une conversation à propos de la première exposition de photographie qui a eu lieu en 1839. C’était la première fois que le public voyait un nouveau média révolutionnaire, une nouvelle méthode de création de documents visuels du monde. Ces petites images floues sont devenues le médium qui a engendré toutes les autres technologies basées sur l’image qui ont suivi.

J’ai pensé que si je recréais cette salle où les gens avaient découvert cette exposition révolutionnaire de photographies en 1839, et que les visiteurs contemporains interagissaient comme s’ils voyaient une exposition de 1839, mais à travers le prisme de ce nouveau média moderne, la réalité virtuelle, je pourrais lier ces deux innovations.

J’ai ensuite lu que l’exposition de 1839 avait été menacée par des manifestants. Ce mouvement, principalement issu de la classe ouvrière, protestait parce qu’ils perdaient leurs emplois à cause de l’industrialisation, le travail devenant mécanisé. Les manifestants n’avaient aucune représentation au parlement, aucun droit de vote. En 1839, ils étaient dans la rue, près de l’exposition, brûlant des bâtiments, brisant des fenêtres. Des manifestants ont été arrêtés, pendus ou envoyés dans des prisons inhumaines dans les colonies. J’ai inclus une foule de manifestants en colère à l’extérieur de la fenêtre dans l’installation Threshold, pour contrebalancer le triomphe de l’innovation et de l’ingénierie exposé en 1839.

Il existe un parallèle entre ce qui se passait pendant la révolution industrielle et ce qui se passe aujourd’hui avec la technologie numérique. Il est possible que cette révolution technologique supprime encore plus d’emplois que la révolution industrielle. L’intelligence artificielle élimine déjà de nombreux emplois, en particulier des emplois de routine, et cela ne fait que commencer. On a dit que, comme êtres humains, nous avons deux atouts : la capacité de travailler manuellement et celle de penser. La révolution industrielle a supprimé le besoin de travail manuel, si la révolution numérique élimine la nécessité de la pensée humaine, que nous restera-t-il à offrir ?

L’invention de la photographie en 1839 était merveilleuse, la technologie numérique moderne est stupéfiante, mais quelles en sont les conséquences sociales ?

Votre travail parvient à équilibrer de manière unique le grotesque et le beau, suscitant souvent des réactions puissantes. Pourrions-nous explorer votre processus créatif, du concept à l’œuvre achevée ?

Mat Collishaw : C’est une bonne question. Je pense que nous sommes étrangement vulnérables aux manipulations visuelles. Tout ce qui est visuellement séduisant — que ce soit une fleur, une belle voiture, une femme ou un homme — peut être embellit. Le design et la couleur d’une voiture, le maquillage du visage, le type de vêtements que nous portons… Tous ces éléments sont des formes de manipulation, que nous utilisons ou qui peuvent nous séduire. Cette faiblesse pour les motifs attrayants et reconnaissables peut être dangereuse et toxique.

Les fleurs, par exemple, sont des espèces séduisantes et belles, mais elles ne sont fondamentalement que des machines de reproduction. Leur unique fonction est d’attirer des insectes ou des oiseaux grâce à leurs formes et couleurs attrayantes, en utilisant leur parfum pour séduire. Beaucoup de fleurs, en particulier les orchidées, utilisent le mimétisme visuel. Les guêpes mâles croient s’approcher d’une guêpe femelle pour s’accoupler, mais il s’agit en réalité d’un motif que l’orchidée affiche pour ressembler à une guêpe femelle. Involontairement, la guêpe finit par propager la fleur. Ces petites fleurs sont magnifiques et séduisantes, mais elles ne sont en réalité que des machines de reproduction prédatrices, qui cherchent uniquement à survivre et à propager leur espèce.

Ce phénomène de tromperie et de manipulation existe sous de nombreuses formes. En tant qu’artiste visuel, je me suis dit que je devais être conscient de cela et essayer de l’intégrer dans mon travail. On le voit dans l’iconographie religieuse, avec les églises somptueuses, leur architecture magnifique, les peintures iconiques sur les plafonds et les murs. Tout cela cherche à nous convaincre de croire en cette religion : « Entrez, servez notre Dieu. »

Il existe de nombreux exemples de propagande politique : des peintures de rois et d’empereurs, des portraits qui disent : « Regardez-moi, voyez à quel point je suis important et glamour. » La propagande politique répand des désinformations pour des objectifs spécifiques, nous convaincant de croire certaines choses, de nous méfier des immigrés, de soutenir telle ou telle guerre, etc.

Il y a aussi la publicité commerciale, qui nous persuade d’acheter cette voiture, ce milkshake. Tous utilisent des mécanismes visuels pour nous convaincre d’agir d’une certaine manière.

En tant qu’artiste visuel, je travaille dans ce monde visuel. J’aime créer des œuvres qui impliquent la composition : les lignes, la couleur, l’éclairage, etc. Mais je suis également conscient qu’il y a une forme de duplicité à l’œuvre, et que ces éléments peuvent être utilisés à des fins malveillantes. J’essaie de refléter cela dans mon travail, en créant des choses qui sont belles, mais aussi quelque peu repoussantes lorsqu’on les observe de plus près. J’ai réalisé des fleurs qui, de loin, semblent charmantes, mais qui, de près, révèlent des signes de maladies sexuellement transmissibles comme la syphilis. Ce n’est pas une nouvelle observation ; des écrivains comme Baudelaire ou J.K. Huysmans en parlent dans leurs œuvres sur la décadence et la décomposition.

Pour revenir à cette idée, comment parvenez-vous à trouver cet équilibre délicat et comment décidez-vous qu’une œuvre a atteint cet équilibre ?

Mat Collishaw : C’est très difficile, mais c’est une excellente question, car la tentation est de surtravailler une œuvre. On développe une idée, on la peaufine, jusqu’à ce qu’il n’en reste plus rien, jusqu’à ce qu’elle perde toute vie. Je pense qu’il est important de laisser quelque chose de brut. Je ne sais pas si j’y parviens toujours, mais c’est quelque chose dont je suis conscient. C’est une lutte constante.

J’ai entendu une histoire sur Quincy Jones qui produisait Michael Jackson. Tout le monde était parti pour la journée, mais Michael était encore en studio. Il y est resté toute la nuit, ajoutant des petites notes et des détails, rendant la musique de plus en plus complexe. Quincy Jones est revenu et lui a dit : « Michael, parfois, il faut juste prendre du recul et laisser un peu de place à Dieu pour qu’Il fasse Son œuvre. »

Je pense qu’il faut laisser de l’espace, pour que lorsque les gens viennent découvrir une œuvre, ils puissent y projeter leurs propres expériences, pensées et sentiments. L’œuvre ne doit pas être uniquement une chose, elle doit pouvoir être regardée sous différents angles et réfracter les idées ou les pensées de manières différentes. Chaque personne peut avoir une réponse différente à l’œuvre.

C’est un combat permanent pour moi, car chaque œuvre est très différente. Tout dépend de l’œuvre que je fais, car certaines nécessitent plus de raffinement que d’autres.

Une des sculptures dans l’exposition à Marylebone Road est un robot, une pièce qui a pris beaucoup de temps à construire, à concevoir, à polir. Elle est très moderne, brillante, avec une production intensive. Et juste à côté de cette sculpture, il y a des peintures sur du lin brut, non préparé. Des toiles de lin, de couleur sable, avec une image monochrome et primaire. C’est brut, simple et primal. De l’huile sur du lin non apprêté.

Votre exposition, ‘All Things Fall’, à The Bomb Factory Art Foundation présente deux œuvres inédites, ‘Insilico’ et la série de peintures ‘Palantir’, ainsi que la première à Londres de votre sculpture zoetrope à grande échelle, ‘All Things Fall’. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’importance de cette exposition et ce que les visiteurs peuvent en attendre ?

Mat Collishaw : OK. Oui, bien sûr. Certaines de ces œuvres ont déjà quelques années. Je les ai développées pendant la période du COVID, quand tout s’est arrêté à l’extérieur : les avions, les transports, les magasins étaient fermés, tout le monde s’est retrouvé enfermé chez soi, et tout s’est accéléré sur les réseaux sociaux. Sur Twitter et Instagram, les gens se dénonçaient, s’attaquaient, annulaient les autres. Il y avait beaucoup d’agression. Je me suis dit, voilà quelque chose d’intéressant.

C’était déjà là avant, mais l’intensité a vraiment augmenté. Je ne pense pas que ce soit uniquement la faute des réseaux sociaux, mais cela révèle quelque chose de la nature humaine. La colère stimule l’adrénaline, créant une boucle de rétroaction addictive.

J’ai commencé à travailler sur des peintures d’animaux, de prédateurs et de proies. D’un côté, des cerfs, de l’autre, des loups et des coyotes, chasseurs et chassés.

J’ai rassemblé des images de vision nocturne où les yeux des animaux brillent dans le noir. Les chasseurs et les proies se voient à travers cette vision nocturne étrange et technologique. Cette relation à distance dans l’obscurité me semblait analogue à ce qui se passe avec nos téléphones, où les conflits se déroulent à distance, non pas face à face, mais à travers des dispositifs numériques, à l’autre bout de la ville, du pays ou du monde. J’ai voulu représenter ces animaux dans des photographies de vision nocturne comme des créatures fantomatiques, des spectres perceptibles uniquement dans cet affrontement nocturne.

J’ai passé beaucoup de temps à affiner la technique, en utilisant des toiles brutes pour réaliser ces images spectrales de prédateurs et de proies.

Je me suis dit qu’il me fallait une sculpture pour accompagner ces œuvres, et c’est là que j’ai eu l’idée de construire un cerf en mouvement, ses mouvements dictés par un flux Twitter en direct suivant la personne la plus abusée sur Twitter. Une idée fascinante, mais en pratique beaucoup plus compliquée que prévu.

Quand l’espace d’exposition est devenu disponible, il y a environ sept mois, je me suis dit : OK, il est temps de construire ce cerf. Les peintures étaient prêtes, et mon ingénieur Adam et moi avions conçu ce cerf pendant des années. C’était une pièce d’ingénierie très complexe. J’ai aussi travaillé avec des analystes de données, des experts en discours haineux, dont le travail consiste à analyser les textes en ligne et à déterminer les émotions derrière ces messages. Leur travail était de suivre en direct les personnes les plus insultées sur Twitter, d’analyser leurs flux et de noter leur niveau de haine. Ensuite, ces données étaient envoyées au cerf, qui réagissait en fonction des niveaux de détresse captés.

Le logiciel recherche ensuite la prochaine personne, car c’est en direct, et il y a toujours quelqu’un d’autre qui devient la cible la plus insultée sur Twitter.

Une autre œuvre de cette exposition est The Machine Zone, six petites sculptures animatroniques basées sur les expériences comportementales de B. F. Skinner, expériences qui ont ensuite été utilisées par les concepteurs de Facebook, Twitter et Instagram pour capter notre attention. Les pigeons dans ces expériences me rappellent les gens dans le bus numéro 36, rivés à leur téléphone, tous dans cette grille d’interactions. Les fantômes de ces expériences

vivent désormais dans les téléphones que nous portons dans nos poches.

Une autre œuvre est un zoetrope qui recrée le massacre des innocents, lorsque Hérode a ordonné l’exécution de tous les nourrissons mâles de moins de deux ans. C’est une œuvre qui réfléchit à cette triste mais familière idée du spectacle de la souffrance. C’est un carrousel de cruauté, une orgie animée de violence où j’ai voulu évoquer la manière dont la violence est utilisée comme divertissement. On la retrouve partout : dans les journaux télévisés, sur YouTube, dans les jeux vidéo. La violence est omniprésente et certains d’entre nous semblent accros à la regarder et à en prendre plaisir.

Donc, en résumé, c’est une exposition sur le regard sombre que porte les réseaux sociaux, l’expérience toxique du monde à travers ces dispositifs potentiellement dangereux. J’espère que c’est fait d’une manière accessible, intéressante et engageante. Ce n’est pas une critique moralisatrice, je ne suis pas contre Twitter ou Instagram en soi… Je suis un grand amateur de nouvelles technologies. Mais je pense qu’il faut rester vigilant, car il y a des dangers importants.

Et après, quels sont vos prochains projets ?

Mat Collishaw : Je prépare une exposition aux Kew Gardens à Londres en octobre, qui comprendra beaucoup d’œuvres. Toutes les pièces ont des thèmes botaniques : des arbres, des fleurs ou des oiseaux, des choses que vous pourriez voir dans les Kew Gardens.

J’aurai également quelques nouvelles œuvres. Je travaille avec l’intelligence artificielle, comme la moitié de la planète en ce moment. Je crée des œuvres avec des fleurs, et cela rejoint ce dont je parlais plus tôt, c’est-à-dire la manière dont les fleurs utilisent le mimétisme pour ressembler à des guêpes et attirer celles-ci, propageant ainsi la fleur. Je donne des instructions à l’IA, qui génère des choses de manière aveugle. Elle ne sait pas vraiment ce qu’elle fait. Elle n’est pas consciente, elle n’est pas sentiente. Elle puise des informations en ligne et les recrache. Ces fleurs évoluent de manière similaire : l’évolution est aveugle. Elle ne sait pas où elle va, elle trébuche sur ce qui fonctionne, et ce qui ne marche pas disparaît.

Je prépare aussi des expositions à Istanbul, Valence, Milan. Et je suis très enthousiaste à propos de ce film que j’ai réalisé pour accompagner des performances en direct du Requiem de Fauré. Nous allons le présenter au Barbican à Londres en novembre. Nous l’avons déjà joué dans plusieurs endroits autour du monde, en Allemagne, à Anvers, en Belgique, à Moscou, Paris, Hong Kong, au Danemark, en Suède et en Tasmanie.

Nous mélangeons le film que j’ai créé en direct avec l’orchestre et le chœur, soit environ 140 musiciens. Le son est extrêmement puissant.

Le film, créé pendant la période de pandémie, met en scène la pratique des funérailles célestes au Tibet, où les corps des défunts sont offerts aux vautours. Les vautours descendent, mangent les corps, et les âmes des morts montent au ciel dans le ventre des vautours plutôt que dans les bras des anges. Le film tisse plusieurs fils narratifs autour de ce thème.

Je continue également mon projet Heterosis, une collection de fleurs numériques NFT en collaboration avec Danil Krivoruchko sur la plateforme OG.Art. Vous pouvez acheter une fleur et la croiser avec une autre pour lui faire adopter les caractéristiques de l’autre. Vous pouvez essayer de rendre votre fleur plus belle, plus rare, et toutes les fleurs sont visibles dans une reconstitution abandonnée et négligée de la National Gallery de Londres, comme si l’humanité avait disparu et que la vie organique avait pris le dessus.

Enfin, que représente l’art pour vous ?

Mat Collishaw : Cela représente beaucoup pour moi. C’est merveilleux, et j’aime encore ça autant que je l’aimais il y a 30 ans. On peut entrer dans une galerie et voir quelque chose qu’une personne a créé en réponse à son expérience du monde. Elle a ressenti la souffrance, la joie, elle est familière avec l’horreur et l’excitation, avec toutes les émotions que nous éprouvons, et cela se manifeste dans son travail. C’est quelque chose de très spécial. Et la manière dont les artistes influencent et s’inspirent les uns des autres, cette communication d’idées entre êtres humains, c’est quelque chose d’unique.

Pour moi, l’art doit parler de la condition humaine, de notre lutte pour vivre et de tout ce que nous traversons. C’est ce que j’essaie de mettre dans mes œuvres : toute la confusion, l’horreur, la beauté. Tout cela, je tente de l’intégrer dans mon travail.

Je ne m’intéresse pas tellement à l’art pour l’art. L’art qui ne serait qu’un papier peint à accrocher au mur. Je ne suis pas attiré par l’art qui ne fait que dire : « Ceci est bien, cela est mal ! » Pour moi, l’art doit pousser à poser des questions plutôt que de donner des réponses. Il doit être un miroir, pas un marteau. Il doit ouvrir des perspectives, inviter à la réflexion, et soulever des ambiguïtés plutôt que d’imposer des certitudes.

©2024 Mat Collishaw