Tina Jane Hatton-Gore : un univers surréaliste entre vie et non-vie, du pochoir de la peinture aux sculptures habitées
Fondée en 1837, la Royal College of Art occupe depuis longtemps une place de premier plan dans l’enseignement artistique, façonnant les dialogues autour des pratiques modernes et contemporaines. Réputée pour encourager la pensée critique, les approches interdisciplinaires et la rigueur conceptuelle, l’institution est un lieu où l’expérimentation prospère.
Tina Jane Hatton-Gore, récente diplômée du programme de master en peinture, incarne pleinement ces valeurs. Son travail explore la frontière entre vie et non-vie, animé et inanimé, à travers des peintures et sculptures riches en symboles. Sur ses toiles, elle assemble un inventaire troublant de figures manufacturées — poupées de ventriloque, nains de jardin, marionnettes, cruches Toby et épouvantails — imprégnées de folklore et de culture populaire. Ses sculptures découpées, représentant d’étranges personnages aux yeux vides, prolongent l’imagerie dans l’espace, amplifiant sa charge surréaliste.
Mon thème principal est l’interface entre le vivant et le non-vivant. Cet espace insaisissable où les frontières se brouillent entre l’objet inanimé et l’humain qui en apprécie l’aura.
Tina Jane Hatton-Gore
Dans Life is a Circus, Who Pulls Your Strings, Hatton-Gore propose une méditation complexe sur l’existence humaine et les forces invisibles qui la façonnent. Sur un fond ocre chaleureux, elle met en scène des figures familières — Frank Sidebottom avec sa tête en papier mâché, le patient du jeu de société Operation, des poupées russes, un diable à ressort — aux échelles et perspectives distordues. Le résultat oscille entre nostalgie et inquiétude, à la fois ludique et menaçant.
Sa pratique, explique-t-elle, reflète l’instinct humain de collectionner, d’archiver et de conserver — le même élan qui nous pousse à bâtir un foyer ou à élever des enfants. Dans son univers, les objets se transforment en compagnons, en gardiens, voire en amis. Mais ils troublent aussi : leurs yeux fixes et leurs traits trop parfaits déclenchent un malaise, réveillant nos angoisses profondes liées au lien et à l’appartenance.
Pour Hatton-Gore, l’inanimé n’est jamais inerte. Ces figures sont des témoins silencieux, aux formes humaines subtilement altérées, assez pour rompre nos attentes. Le meilleur art, croit-elle, ne choque pas pour choquer : il provoque et reste en mémoire. Son œuvre fait les deux, offrant un langage imagé et obsédant pour cet espace flou entre ce qui vit et ce qui ne fait que paraître vivre.
Bonjour Tina, merci de nous accorder cet entretien. Pourriez-vous vous présenter à ceux qui ne connaissent pas encore votre travail ?
Tina Jane Hatton-Gore : Je suis artiste plasticienne, installée à Londres et sur l’île de Wight. Je termine actuellement un Master en peinture au Royal College of Art, qui prolonge mon parcours à Central Saint Martins, Goldsmiths et Camberwell, où j’ai étudié la gravure, le design textile et l’illustration. Toutes ces influences se retrouvent dans mon travail à travers l’inversion, la variation d’échelle, l’usage de l’espace négatif et une attention particulière portée aux contours. Je cherche à créer un univers immersif et inclusif dans lequel le spectateur se sente libre d’explorer.
Mon thème central est l’interface entre vie et non-vie — cet espace insaisissable où les frontières se brouillent entre l’objet inanimé et l’humain qui se nourrit de son aura. Nous communiquons à travers le temps grâce à ces artefacts. En tenant une poupée, une cruche Toby en céramique ou une boîte à biscuits rouillée, nous pensons aux anciens et futurs propriétaires, dont nous sommes les dépositaires.
Ma palette de couleurs et mon amour de l’art populaire ont été influencés par mes nombreux voyages, en particulier au Mexique et en Amérique du Sud.
Pouvez-vous nous raconter vos débuts et expliquer ce qui vous a inspirée à devenir artiste ?
Tina Jane Hatton-Gore : L’école. Je m’asseyais au fond du cours d’art en me disant que je ne verrais pas d’inconvénient à devenir professeur d’arts plastiques. C’est ce que j’ai fait pendant vingt ans, et les élèves m’ont constamment inspirée. J’ai eu la chance d’être enseignée par Paul Dash, de la génération Windrush, à Goldsmiths, qui nous disait : « Vous n’êtes pas obligés d’abandonner votre pratique quand vous enseignez. »
Je rentrais chez moi après une journée éprouvante et je peignais toute la soirée. Je peignais aussi tout le week-end ! J’ai aimé ce parcours, les collaborations avec d’autres artistes, le dessin d’après modèle vivant, les expositions collectives et, désormais, Instagram ! J’attends avec impatience de voir mes œuvres exposées à Mayfair, à Londres, et j’espère être représentée durablement par une galerie.
Vous explorez souvent la frontière entre vie et non-vie à travers des objets du quotidien, comme les nains de jardin ou les épouvantails. Quelle en est l’origine et quelles influences vous ont menée à ce thème ?
Tina Jane Hatton-Gore : Pendant le confinement, je faisais un Master en illustration à Camberwell et j’ai passé cinq mois à peindre à l’huile, plaçant mes images d’épouvantails dans des coins de mon jardin. Plus tard, ces épouvantails, qui se prêtaient naturellement au thème de l’isolement et de la désolation que vivait le MONDE ENTIER, ont été regroupés dans des paysages proches de chez moi : vallée, côte, ciel étoilé. Les figures inanimées prenaient ainsi vie et formaient une communauté.
En 2022, j’ai obtenu le Graduate Diploma au Royal College of Art. L’un des projets s’intitulait Artefact. J’avais déjà dessiné des cruches Toby pour des natures mortes chez moi, et j’ai réalisé que j’en collectionnais depuis l’enfance. J’étais fascinée par cette tête creuse et le fait que ce personnage soit figé assis depuis le XVIIIᵉ siècle.
Avec mon partenaire Ken, nous aimons poser en incarnant ces personnages. J’ai ensuite étudié les figures de proue nautiques du XVIIIᵉ siècle, souvent seul vestige d’un grand navire, aujourd’hui conservé dans des collections privées ou des musées — preuve que l’aura d’un double humain attire naturellement la protection humaine.
En explorant les poupées et les ventriloques, j’ai découvert une paire de casse-noix du XVIIIᵉ siècle, laids mais touchants, ressemblant aux marionnettes ventriloques modernes, capables de dire ce que d’autres n’osent pas. J’ai acheté un clown mécanique et musical lors d’une foire, ce qui m’a menée à explorer les clowns et marionnettes. Les clowns masquent la réalité avec la parodie, tandis que les marionnettes oscillent entre vie et mort.
Les nains de jardin m’intéressent pour leur caractère légèrement tabou : souvent cachés à l’arrière du jardin, loin des regards. Où se situe la limite entre kitsch acceptable et mauvais goût ? J’aime repousser cette frontière tout en rendant des objets jugés laids plus accessibles.
Qu’est-ce qui vous attire particulièrement dans les thèmes de la vie et de la non-vie, de l’animé et de l’inanimé ?
Tina Jane Hatton-Gore : Les humains ont un instinct naturel de collection. Cela devient socialement accepté si on appelle cela de l’archivage, moins si c’est du “hoarding”. C’est aussi naturel que de faire un nid ou d’avoir des enfants. Trouver plusieurs artefacts anciens qui se ressemblent tout en étant différents suscite notre intérêt, comme dans nos relations humaines.
Sur le plan pratique, la nature morte est un excellent exercice de dessin et de peinture. Combinée avec mon amour du dessin de nu et du portrait, l’idée de fusionner les deux genres est née.
Comment reliez-vous ces objets divers sous ce thème central ?
Tina Jane Hatton-Gore : Je considère l’interface entre vie et non-vie comme un projet en cours, avec de nouveaux “acteurs” qui apparaissent, puis sont archivés. Le concept reste présent dans mon esprit et mon atelier. Après de longues recherches, une ou deux images me donnent ce déclic instinctif, et je me lance. J’aime répéter ou inverser mes personnages. La narration est essentielle, dans chaque œuvre comme entre elles. L’idée est que l’inanimé prenne vie, et que l’humain se retire pour réévaluer sa position et ses valeurs.
Votre esthétique graphique est une signature. En quoi renforce-t-elle votre récit ?
Tina Jane Hatton-Gore : Le dessin est au cœur de mon travail. S’il n’est pas juste, je ne continue pas. Je commence toujours par le visage, et le visage par les yeux : c’est là que la vie transparaît, même dans une image. L’idée est de donner vie à l’inanimé et de permettre à l’humain d’entrer dans son monde, pas l’inverse. Le secret est de peindre juste assez pour suggérer la vie, pas au point d’en effacer l’aura.
Quelle interaction souhaitez-vous entre vos œuvres et le public ?
Tina Jane Hatton-Gore : D’abord, que le public prenne plaisir à regarder, qu’il soit intrigué, captivé. J’aime interagir avec les spectateurs face à mes œuvres, que je considère comme des installations. It’s Chile Out There comporte quatre sculptures découpées sorties du tableau, projetant une ombre portée. Mon image y figure aussi, dans le désert du Chili, avec un cactus géant, quinze ans plus tôt. Lors du Painting Show du RCA, je posais souvent avec l’œuvre. Blogueurs, influenceurs et enfants partageaient l’illusion que les poupées étaient vivantes, les humains dans leur monde, et non l’inverse.
Votre travail porte une dimension de solitude et d’abandon. Comment ces éléments reflètent-ils des expériences humaines universelles ?
Tina Jane Hatton-Gore : Ce thème a commencé avec les épouvantails, mais aussi avec les cruches Toby perdues dans les vide-greniers, les nains de jardin laissés dehors, les poupées reléguées au grenier, le ventriloque sans personne pour lui prêter sa voix. Nous pouvons tous nous identifier à ces scénarios, à la fois à craindre et à éviter. Mais ces objets nous tiennent aussi compagnie, comme des gardiens silencieux.
Quels nouveaux thèmes ou objets souhaitez-vous explorer ?
Tina Jane Hatton-Gore : Je travaille sur le thème “dedans-dehors” : une poupée de cire dans une boîte — que contient-elle d’autre, sortira-t-elle un jour ? L’interface vie/non-vie pourrait inclure cadavres, zombies, taxidermie, topiaires, chimères, fantômes, robots, jouets mécaniques. Observer les momies anciennes et voir comment la peinture peut redonner vie à quelqu’un est une autre piste.
Je continuerai à travailler sur lin et à tendre mes toiles moi-même. La peinture devient alors un artefact à part entière. Le support est bidimensionnel, mais le châssis de quatre centimètres en fait un objet. Je suis fascinée par la vie persistante du bois et attirée par la cire en sculpture : un matériau unique qui retrouve toujours sa forme d’origine.
Quelle est votre philosophie artistique ?
Tina Jane Hatton-Gore : Comme je le dis à mes élèves de yoga : « Le yoga est magique, il guérit tous les maux », l’art est une expérience magnifique. Pouvoir s’exprimer et offrir un peu de soi au monde, sans rien attendre en retour, est un bonheur immense.
Ma philosophie : nous sommes tous artistes, il suffit de suivre notre propre manière de travailler, sans chercher à imiter. Si cela fait du bien, si l’on apprend, si l’on est “en feu”, dans la zone, c’est gagné. Quand je crée ou vois une image qui me fait rire et me donne cette sensation dans le ventre, je sais que c’est juste. En un sens, l’art est la seule chose qui compte. Une fois la trajectoire naturelle de l’œuvre trouvée, tout le reste suit.
©2024 Tina Jane Hatton-Gore
Rédacteur collaborateur qui chronique le joyeux chaos de l’art contemporain — quand il peut s’y rendre. Survit grâce aux vernissages, aux opinions, une galerie, une œuvre à la fois. Considère l’espresso comme un repas.
